西方古典音乐发展简史(已完成)

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经过漫长的整理和手动输入,终于完成了这第一篇,作为新年礼物送给广大爱好古典音乐的朋友,希望大家能够喜欢,

古代希腊罗马音乐概况

大约公元前3500到2000年间，世界上出现人类最早的文明，稍晚一些，约公元前11到9世纪，在地中海一带，以爱琴海为中心，包括希腊半岛、爱琴海中众多岛屿以及小亚细亚半岛西部沿海的一块区域，也出现了欧洲的古希腊文明，古希腊人在艺术上取得了辉煌成就，到公元前146年，希腊被罗马征服，文化中心迁移到罗马。
古代希腊罗马音乐是欧洲音乐文化的最初发展阶段。尽管古代的音乐资料很少保留下来，但从一些文字、浮雕、绘画等艺术遗迹中，我们也可以窥见当时音乐生活的多个侧面及文化艺术空前繁荣的景象。当时的音乐通常和史诗紧密结合，也有用简单乐器伴奏的抒情歌曲，后来更形成了戏剧音乐这样高度发达的艺术形式，并通过多种音乐公众比赛和经济活动蓬勃发展。
随着音乐实践活动的繁荣，古希腊时期的音乐理论也并行发展，并取得了很大成就。古希腊人在公元前4世纪逐步确立了音乐的美学和哲学理论，对调式，音阶体系，旋律组织等理论也都有了精辟的见解，这些理论不仅影响到中世纪的西欧音乐，甚至目前的理论家和艺术工作者还不断从中寻求指导。
古罗马音乐艺术可以说是古希腊音乐在古罗马的一种东方化的过程，此外在尚武的罗马帝国繁荣昌盛之时，军队音乐和吹奏乐器占据重要地位。古罗马音乐朝大型化、炫技化、实用化和娱乐化发展，与雅典纯朴的古希腊音乐形成显著区别，贵族私人家庭音乐活动频繁，推进了音乐教育作为一门职业的兴旺。
公元初年，在耶路撒冷地区产生了基督教会。早期基督教会吸取了犹太教和一些东方宗教的成分，规模不断扩大。公元2世纪以后，由于北方蛮族部落的入侵和基督教会的兴起，罗马帝国逐渐走向灭亡。公元3，4世纪，由于经济衰退，奢华的大型音乐活动逐渐停止。此时，古代音乐已经日渐衰落，在随后的中世纪封建社会中，基督教会音乐占据主导地位，成为后来西方音乐的基础。

[ 本帖最后由 三色鹰旗 于 2009-1-23 16:30 编辑 ]

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古希腊音乐根据其不同的发展阶段可分为三个时期：
1．        神话时期的古希腊音乐
古希腊音乐的最初历史是同个中神话与身的崇拜相联的。在古希腊神话中，众神是音乐的发明者和实践者。如现在成为音乐标记的里拉（LYRE），传说是众神的使者赫尔莫斯发明的，他在龟壳上支着两只牛角，架上四根弦，作成了诗琴，把它献给了太阳神阿波罗。阿波罗则用里拉和自己发明的琴教缪斯们弹琴、吟诗和跳舞。音乐（MUSIC）是缪斯MUSE的形容词。缪斯在古希腊神话中指九个司职艺术和科学的姐妹女神中的任何一个，音乐活动便由一群高贵、智慧的女神掌管着。由于音乐与神的联系，在史前世界中，音乐被认为是有魔力的：它不仅能治病驱魔，而且能净化肉体和灵魂。
由于史前社会人们对神的无限崇拜，在古希腊人的集体生活中，音乐表现的不可或缺，如在古希腊有四年一度的宙斯大祭，也有祭奠阿波罗的盛会，这些宴会中都伴有歌唱竞技比赛和其他形式的音乐表演。
2．        荷马时期的古希腊音乐
从公元前11至前9世纪，形成了著名的“荷马时代”。古希腊最初的音乐历史发展阶段是与文字紧密联系的。诗歌成为音乐的载体，诗歌的繁荣带动了音乐文化的发展，在诗歌的吟唱中，古希腊的音乐得到发展。
荷马时期是古希腊音乐的第一个繁荣时期，音乐与诗歌紧密相连，主要特点是单声部旋律和里拉琴的简单伴奏，代表就是荷马史诗与抒情诗歌。反映出古希腊的民族历史和人民蓬勃自由的精神面貌。
3．        古典时期的古希腊音乐
在公元前5世纪到4世纪，形成了古希腊音乐文化发展的第三阶段，“古典时代”。此时，戏剧艺术特别是悲剧艺术成为古希腊文明走向奴隶制度巅峰的体现。悲剧本身是音乐、戏剧、舞蹈等相结合的综合艺术体裁，是这个时代最重要的艺术特点，对后来的欧洲戏剧产生深远影响。
这个时期最著名的悲剧家有埃斯库罗斯、索福克勒斯，他们的很多作品对后世有很大影响，如《被缚的普罗米修斯》，《伊非姬尼在奥利德》等作品在18世纪成为歌剧创作的重要题材。
同时这个时期也出现了喜剧，被用来讽刺社会的不公，成为人民喜闻乐见的艺术体裁。喜剧的形式引发巴洛克后期歌剧作曲家的喜歌剧的创作构想，也为丰富歌剧体裁起到重要作用。
古希腊的乐器
古希腊的乐器主要分为弦乐和管乐，里拉和阿夫洛斯管就分别是其代表。两类乐器传说由不同的神发明，因此也就代表了对不同的神的崇拜。

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古罗马音乐
古罗马是在公元前753年以后逐渐兴起的国家。它的文化主要是继承古希腊文化而逐步发展起来的。在古希腊化时期，古罗马就输入许多古希腊作品加以翻译模仿，灭亡古希腊后更是将全部的希腊神话诗歌戏剧植入自己的文化中。但是出身于农耕的古罗马人缺乏古希腊的浪漫和想像力，更具冷静思考的习性和注重实际的现实主义精神，所以艺术观也更为写真，讲求客观表现。
在音乐艺术方面，除了对古希腊音乐的模仿外，古罗马也有自己的民歌艺术。在征战中，大批奴隶作为战利品被带回罗马，其中不乏精通音乐的人。他们不仅为后来出现大量艺人奠定了基础，也促进了外来音乐的传入和交融。如当时影响遍及欧洲非洲亚洲的埃及亚历山大音乐，就为了适应古罗马人粗犷豪放的审美趣味做了一些调整，使音乐有的直白的特点。
在古罗马，熟悉音乐是有教养的标志，连帝王都狂热的投入到音乐当中去，古罗马的暴君尼禄就是一个狂热的戏剧爱好者。他曾说自己一生最大的愿望就是成为一个艺术家，并且多次登台表演。因此在当时，音乐的教育作为职业也非常兴旺。
与庞大的军团相应，规模宏大的军乐成为古罗马音乐特有的传统，其中以大号为代表的铜管乐最有特色。古罗马的大型音乐不仅体现在军乐中，也在公共表演中有所体现，在戏剧演出时，常常用数百件乐器参加，合唱人数也成百上千。
除了社会音乐活动外，家庭音乐也蔚然成风，贵族往往都拥有自己的私人乐手，他们从奴隶中挑选出一些有音乐天赋的人，进行音乐培训，这大大促进了音乐教育事业的发展。
不同与古希腊音乐的另外一个区别是，古罗马音乐呈现出职业化。职业音乐家到处巡回演出，受到人们的追捧和喜爱。
但是在罗马帝国在公元476年灭亡之后，基督教会势力的不断壮大，古罗马音乐最终被教会音乐所取代，宗教音乐主宰了接下来的漫长的中世纪。而古代希腊罗马文化也就暂时告一段落。

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中世纪的基督教礼拜音乐
中世纪一般指公园476罗马帝国灭亡到15世纪文艺复兴之间的1000年。中世纪的文化是欧洲古代和近代的纽带。
可以说中世纪的文化与古代文化完全不同，它是一种与古希腊罗马文化异质的基督教文化，这种文化影响欧洲直至今日仍有巨大的力量。
中世纪的音乐是在一种浓厚的宗教背景下发展的。教会音乐是当时音乐文化发展的主导，除此之外，还有世俗，民间音乐的发展，但是相对于教会音乐是有限的。在中世纪，音乐不是为了纯粹的艺术享受，而是更多的为宗教服务。音乐在中世纪的发展很大程度的被宗教的世界观、艺术观所禁锢，单调而沉闷。但是从另一角度看，教会的相对封闭的环境，使被筛选留下的音乐要素得到精心的维护和培养，客观上促进了音乐的发展。
中世纪的音乐大致分为三个时期，发展初期（5-10世纪），盛期和晚期（新艺术时期），其中著名的格里高利圣咏是在9世纪左右确立的权威地位，在这里有必要进行一些介绍。
格里高利圣咏是以罗马教皇格里高利一世命名的。格里高利圣咏经过多代人的修缮，在公元8、9世纪时逐渐影响到西欧地区，并成为罗马天主教圣咏礼仪的统一规范和最高权威。圣咏即礼拜中的唱诵经文，内容通常是歌颂上帝，在6世纪以前，圣咏的唱法杂乱无章，各个地区有自己的法则，知道6世纪末，教皇格里高利着手改革教会礼仪，将所有的音乐统一加以修饰，明确了圣咏的唱法并且编制成一本《启对应唱歌集》。
格里高利圣咏的特点一般为：内容源于圣经，是一种散文体结构，只能用拉丁文唱；旋律是单声部旋律，根据朗诵圣经的速度来演唱。格里高利圣咏追求静穆、超脱的意境，排斥人间的一切浪漫激情，节奏自由没有明显的节拍特征。
而在公元11-13世纪，格里高利圣咏达到全盛时期，在民间许多世俗音乐逐渐兴起，人们逐渐摆脱格里高利圣咏的单旋律结构，复调开始出现。欧洲有记载的最早复调叫奥加农，本来是圣咏的一种即兴演唱方式，在演唱时同时唱两个不同的声部。奥加农初期在今天看来曲调仍然十分简单，但是其在漫长的实践过程中发展，在12世纪左右发展成为华丽奥加农，作品花哨华丽，讲究自由不受拘束的演唱，仍然保留即兴的风格。
而在12-13世纪是欧洲中世纪音乐的鼎盛时期，格里高利圣咏的扩展、复调的出现以及大量世俗音乐的繁荣体现了这一特点。但是从14世纪开始，中世纪音乐开始走向没落，原因主要是国家之间不断爆发战争以及黑死病流行，使得新的曲调开始兴起，因此在14世纪是中世纪音乐的晚期，也成为新艺术时期。
新艺术最早兴起于法国和意大利，马肖是其中的代表，他创作了23首经文歌，少量的弥撒曲，但是他创作了大量的世俗乐曲，是一个典型的14世纪的作曲家。马肖被认为是新艺术的最后一个作曲家，因为他去世以后，新艺术时期基本上结束。

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文艺复兴的音乐
在西方音乐史中，文艺复兴时期一般指从1430年前后到1600年前后这段历史，其中又分为早期（1430-1490），中期（1490-1560）和晚期（1560-1600）。
在15世纪30、40年代，欧洲音乐风格发生了巨大的转变，这些转变首先来自英国音乐家，英国的音乐家将音乐与民间保持着自然的联系，倾向大调性、主调风格，自由的运用三度六度音程，以此产生和谐丰满的音响。
伯艮第的乐派是文艺复兴的重要组成部分，他们的主要作品是弥撒曲，经文歌和尚松，受到英国的影响，伯艮第乐派讲究上声部突出，采用三和弦居多，但是各个声部仍有一定的独立性，作品多用大调。其中最著名的音乐家有费迪和班舒瓦。
威尼斯乐派不同于其他的乐派，他代表了新的音乐的发展趋势和新的音乐风格，这种风格以主调合唱为主，多声部的旋律的有机结合，织体丰满充实，音乐富丽堂皇。
16世纪20年代，法国作曲家发展了尚松这一典型法国风格的歌谣体裁，它的题材广泛，有戏剧性的事物，爱情的内容也有社会的和日常生活的内容，歌词清晰有幽默感，保持了法兰西语言的特征，在音乐上主义按音节谱曲，强调规则的重音，节奏轻快，以四声部为主，音乐一般有重复出现。比较著名的作曲家是塞米西，重要的作品有《战争》、《鸟之歌》、《云雀》、《狩猎》等。
德国的民间音乐称为“利得”。它的结构不统一，有单声部有多声部，在宫廷中流传较多的是多声部的复调合唱，比较著名的作曲家有森夫尔。
意大利在１６世纪出现了一种世俗音乐牧歌，歌词多为单段，韵律自由，很多选用著名诗人的诗篇作为歌词，风格颇为贵族化，表现爱情和悲伤，音乐对情感的表达十分讲究，是一种高雅的室内音乐。我关于这个时期著名作曲家知道不多，只是听说过一个马伦齐奥和他的《独自沉思》。

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巴洛克时期的音乐
西方音乐史通常将１６００到１７５０这１５０年的时间称为巴洛克时期。巴洛克一词源于葡萄牙文，意思是不规则的珍珠，人们经常用它来讽刺一些奇异的风格，因此巴洛克一词被用于形容音乐无疑也是带有贬义的。知道１９世纪下半叶，人们才为巴洛克恢复名誉，并用它来形容这个时期的音乐风格。
总的而言，巴洛克是一种宏伟壮观、热情奔放、充满活力的音乐风格。强调情感的表现，充满戏剧性的对比，注重装饰性。在艺术观念上大胆创新，并且融合了多种艺术的特点。
巴洛克音乐深受１６世纪以来的人文主义思潮的影响，情感的表达充满在音乐中。音乐的风格和结构有明确的观念，而歌剧的诞生标志着巴洛克时期的正式开始。歌剧最早产生在意大利的佛罗伦萨，人们仿照古希腊的音乐创造作品。１５９８年，第一部歌剧《达夫尼》上演，可惜该剧如今只保留了少量的旋律音符。
在巴洛克时期有许多著名的音乐家，如巴赫，亨德尔、斯卡拉蒂等人。巴赫是巴洛克时期最具代表性的作曲家，他的作品主要是宗教作品，如受难乐，弥撒曲、清唱剧、经文歌和大量的钢琴曲。他的著名作品有《勃兰登堡协奏曲》、《马太受难乐》《戈德堡变奏曲》等，其中《戈德堡变奏曲》更成为衡量一个钢琴家能力的标准。
亨德尔是巴洛克晚期的一个与巴赫齐名的音乐巨匠，他并非出身与音乐世家，却从小表现出惊人的音乐天赋，年仅１３岁就独自创作了歌剧《阿尔米拉》。青年时代的亨德尔游历意大利，在那里结识了很多著名的音乐家如斯卡拉蒂父子，卡尔达拉等人，吸收意大利元素并且创作了《罗德里戈》等几部歌剧，受到意大利人的赞赏。１７１０年到英国受到英国皇室的器重并在英国定居。１７１８年在英国出任皇家音乐协会的音乐指导，创作了许多伟大的歌剧如《朱利奥　恺撒》等，但是１７２３年英国国王乔治一世去世后，情况愈发艰难，最终不得已解散了皇家音乐协会。但是在１７３８年，亨德尔又创作了《扫罗》《以色列人在埃及》，１７４２年创作的《弥赛亚》以及1746年的《犹大 马加比》都获得了巨大成功。1759年去世后，被安葬在西敏寺大教堂。此外他的《水上音乐F大调》《皇家焰火舞曲》也都十分著名。亨德尔的作品可以说是人类音乐中不可缺少的组成部分。
在巴洛克时期之后的，就是古典主义音乐的兴起。

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古典主义音乐的兴起
18世纪中叶到19世纪初期是西方音乐蓬勃发展的时期，历史上称为古典主义时期，可以将其划分为两个阶段，即前古典主义时期和维也纳古典时期。
18世纪中下，欧洲的专业音乐在日益扩大的社会需求的直接推动下得到空前发展，作曲家从对贵族的依附下走出来，努力成为有独立意识和社会要求的音乐家。音乐不再是为了养家糊口的手艺，儿时成为了旨在表现个人情感和精神的载体。乐器成为市民生活不可缺少的一部分，音乐的演出走向职业化，各种有关音乐的刊物以及研究相继问世，这一切都为后来的音乐研究提供了很好的基础。
前古典时期的音乐风格在历史上曾被多种专业术语加以形容，如洛可可风格、华丽风格、情感风格等，这些词汇都指向了当时迅速发展起来的音乐类型——器乐。在150年的巴洛克时期的发展沉淀，器乐音乐已经成为前古典音乐家创作的重点。像奏鸣曲，交响曲，协奏曲都是在这个时期发展乃至完善的。巴赫的儿子C P E巴赫是前古典时期的代表，他首先采用了快慢快的奏鸣曲结构，在其中融入戏剧性的因素，形成独具特色的情感风格。交响曲是前古典时期重要的管弦乐体裁，它从意大利的歌剧序曲演化而来，成为作曲家热衷的器乐音乐形式。协奏曲是在巴洛克时期就已经兴起的器乐体裁。在前古典时期逐渐形成精雕细琢、轻盈典雅的华丽风格，四重奏在这个时期也得到了很好的发展，在海顿时代经过不断探索走向成熟，并且出现了很多优秀的作品。C P E巴赫和他的弟弟J•C巴赫都是这个时代著名的作曲家。
18世纪下半叶的维也纳古典乐派是西方古典主义音乐发展的高峰阶段，我们所熟知的海顿、莫扎特以及贝多芬都是这个时期的伟大音乐家。这个时期的音乐的特征是：音乐旋律优美动人，乐句的句式工整规范，有对称性；音乐的组织结构以调性和声为基础，段落乐章有明确的终止标志；在巴洛克时期广泛应用的通奏低音被废除，作曲家对于音乐的音色的要求更加细致；而音乐的民族性也在这个时期的音乐创作中逐渐模糊，乐曲有了普遍的国际化的意义。
这个时代的值得欣赏的优秀作品有很多，我很难一一介绍，但是我将我自己最热爱的几个作品推荐给大家：
《巴黎交响曲》 海顿
《告别交响曲》 海顿
《伦敦交响曲》 海顿
《加冕》 莫扎特
《魔笛序曲》 莫扎特
《费加罗的婚礼》莫扎特
《第七交响曲》贝多芬
《英雄》贝多芬
《艾格蒙特序曲》贝多芬
《悲怆钢琴奏鸣曲》贝多芬
以上都是非常优秀的作品，相信各位在细细品位以后定能对这个时期的音乐有更加深层的认识。

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早期浪漫主义的音乐
19世纪的欧洲在法国大革命、欧洲民主运动和民族解放运动的影响下，文化和思想领域出现了一股强烈的浪漫主义思潮。在整个19世纪，浪漫主义音乐贯穿其中，音乐的内容和表现形式都发生了巨大变化。
在音乐的创作上，浪漫主义音乐一反古典主义的秩序、平衡和理性，崇尚自由、运动和激情。为了主观表现，冲破种种束缚，用开创性的精神创造了大量不同与前时期的音乐作品。在旋律语言上来看，受到了情感化和个性化的影响，这个时期的音乐作品更加抒情，更富有歌唱性。在和声的处理上，浪漫主义音乐更加注重作品的色彩性，效果更加细腻，作品的层次更加明显，起伏波动巨大，这是无论是巴洛克时期还是古典主义时期都没有出现过；此外音乐的结构更加复杂，许多切分混合的拍子在这个时期的作品中出现很多。在浪漫主义音乐的晚期，这些特点被发挥到了极限。
在乐队方面，这个时期的乐队人数大为扩大，管乐和打击乐的地位得到一定的提高，作曲家大胆的使用了一些平时十分少用的乐器以追求音乐的独特性和特殊的音色效果，管乐和弦乐的配合愈发成熟，无论是音色效果还是音乐的表达都达到了一个新的高度。
在这种环境下，欧洲各地的专业音乐院校纷纷成立，在巴黎，维也纳，伦敦，那不勒斯等地都有自己的大学的音乐专业，同时音乐在民间的普及度也很广，听众的音乐欣赏水平得到了很大提高。因此在这个时期也涌现出了大量优秀的音乐家，他们中的很多是如今大家都很熟悉的，比如肖邦，门德尔松，柴科夫斯基，比才，李斯特，罗西尼，舒曼，勃拉姆斯，德沃夏克，韦伯等众多音乐巨匠，在这不做太多介绍，不过我仍然介绍一些这个时期的著名作品：
《革命》肖邦   （这首曲子是我毕生的梦想）
《幻想即兴曲》肖邦   （我的成名一曲）
《意大利交响曲》门德尔松
《无言歌》门德尔松
《第一钢琴协奏曲》柴科夫斯基
《卡门》比才
《阿莱城的姑娘》比才
《匈牙利狂想曲》李斯特
《威廉 退尔》罗西尼    （你会在这个曲子里听到很熟悉的片断）
《塞维尔的理发师》罗西尼
《第9交响曲自新世界》德沃夏克
《自由射手》韦伯
《魔王》舒伯特

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晚期浪漫主义的作品
晚期浪漫主义音乐是19世纪末20世纪初德国奥地利俄罗斯音乐的主要流派之一，作曲家们在音乐形式和技巧上不是沿着传统浪漫主义的路线，而是更多的以复杂的形式，庞大的结构、深层次的技术为特点，形成接近于现代风格不同于传统风格的特征。
这个时期的著名作曲家有我们十分熟悉的马勒和里查德•施特劳斯，俄罗斯的拉赫玛尼诺夫，他们继承了早期浪漫主义音乐家的传统，但在这个基础上他们继续发扬自己的个性。马勒将音乐篇幅扩大化，音乐的旋律淳朴自然，更加具有民间色彩，他的作品中出现了很多不和谐的和声，这是传统音乐中很少有的。施特劳斯的作品宏大壮观，充满了激情，不过不同于马勒的地方是他的乐曲的民间因素很少；音乐结构自由，不拘于传统观念，同时他的器乐配合也十分出色。拉赫玛尼诺夫生活的年代正处于沙皇亚历山大三世的统治之下，他的作品反映出浪漫主义时期作品的特点，很注意音乐中情感的表达。
20世纪的音乐
20世纪西方音乐流派林立，他们的风格迥异，突破传统的音乐理论，给音乐认识带来巨大冲击。下面简单介绍几个流派及音乐家。
表现主义音乐是20世纪重要的现代艺术流派，被成为新维也纳乐派，表现主义音乐的特点表现为零碎的段化的、跳动剧烈的旋律，幅度极大的力度变化，使用大量不和谐和弦等等。其中最重要的音乐技法就是无调性，音乐显得怪诞、不和谐、不悦耳。其中比较著名的音乐家有勋伯格、巴托克等等。
新古典主义音乐是20世纪两次世界大战之间的一个重要音乐流派。新古典主义对艺术的要求是均衡完美，追求适度的情感表现，节奏匀称规则。这种简朴实在的风格在当时引起人们的共鸣。新古典主义的代表人物是俄罗斯的斯特拉文斯基，《安魂赞美诗》是其较有名气的作品。此外法国的六人团也在当时十分著名。
印象主义音乐是20世纪起源于法国的一个音乐流派，也是晚期浪漫主义的一个重要流派，印象主义音乐家的作品排除了明确的音乐线条，追求音色上的蒙胧意境，因此可知，旋律在印象主义音乐中不再占有主导地位，音乐结构是模糊松散的，印象主义音乐摆脱了传统音乐的许多束缚，大胆运用不同的和声追求瞬间印象的效果。德彪西是印象主义音乐的创造者，同时又是印象主义音乐的集大成者，他的著名作品《月光》中就充分体现了印象派作品的许多特点。同一时代的著名音乐家还有《波莱罗》的作者拉威尔。

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其实作为一个学习钢琴12年的人，我对于上述几个不同时期的作品的感受十分深刻，全国钢琴考级的曲目来自不同的国家的作曲家，每个作曲家生活的年代也不一样，因此前后几首曲子弹奏的技巧都是不一样的，演奏的效果也都是天壤之别。比如说我考10级的时候，一首斯卡拉蒂的曲子，斯卡拉蒂前面我说过，是巴洛克时期的钢琴家，弹奏他的曲子一定要非常严谨小心，节奏要非常的准确，如果乐谱上没有说要求渐慢或者渐快，那么自作主张是绝对不行的，句子之间很整齐，就如同一首诗。斯卡拉蒂的曲子并没有明确的呈示部-展开部-再现部的结构。我的第二个曲子是贝多芬的悲怆奏鸣曲第一乐章，相比斯卡拉蒂的作品，贝多芬的作品显然要开放的多，句式是自由的，强弱对比十分明显，并且作者的情感深深的融入作品中，曲子本身是标准的呈示部-展开部-再现部的结构。我当时的最后一首曲子是肖邦的《幻想即兴》，这是很典型的浪漫乐派的作品，开放程度相比贝多芬的作品更大，在这个作品中，你可以尽情的挥洒你的天才，它对于节奏的准确没有特别严格的要求，在展开部分你甚至可以自由的缩窄或延长以达到你所期望的效果，音色更加柔和。将《幻想即兴》和之前的斯卡拉蒂的作品放在一起比较，真是有天壤之别，无论是技术上还是对音乐的理解上。我也演奏过一些现代作品，现代作品的格式不固定，和声效果也不追求大调整齐，往往会给人一种抽象的感觉。不过呢，我还是喜欢浪漫主义音乐家的作品，这种更加自由开放的风格似乎更加适合我。